Grandes bandas de referencia del Jazz

El Art Ensemble of Chicago gozó de una reputación de crítica como el mejor y más influyente conjunto de jazz de vanguardia de los años 70 y 80. Todo comenzó a finales de los años 60 y principios de los 70, cuando el Art Ensemble ayudó a ser pionero en la fusión del jazz con la música artística europea y la música indígena africana. También combinaba elementos de la historia y la prehistoria del jazz -música de los servicios religiosos santificados, los espectáculos de juglares y las casas de alterne de la América de finales del siglo XIX y principios del XX- con un espíritu modernista de experimentación. Originalmente compuesto por los saxofonistas Roscoe Mitchell y Joseph Jarman, el trompetista Lester Bowie, el bajista Malachi Favors y, más tarde, el baterista Famoudou Don Moye, ningún individuo era más grande que el conjunto. La banda era un conjunto de compositores e improvisadores de gran individualidad. Colectivamente, crearon una entidad convincente y única.

Este conjunto de jazz, cuyo sonido incorpora elementos del free funk y del jazz africano, cuenta con más de dos docenas de álbumes en su haber. Fundado en 1977, el grupo grabó y actuó principalmente como cuarteto de saxofones, normalmente con una formación de dos contraltos, un tenor y un barítono (reflejando la composición de un cuarteto de cuerda clásico), pero también se le unieron ocasionalmente bateristas, bajistas y otros músicos. Los miembros originales eran Julius Hemphill (saxofón alto y soprano, flauta), Oliver Lake (saxofón alto y soprano), Hamiet Bluiett (saxofón barítono, clarinete alto) y David Murray (saxofón tenor, clarinete bajo). Los tres primeros habían trabajado juntos como miembros del Black Artists' Group de St. Louis, Mo.

Edward Kennedy "Duke" Ellington tomó a individuos considerados entre los mejores músicos de su tiempo y los fundió en la unidad orquestal más conocida de la historia del jazz. Algunos miembros permanecieron en la orquesta durante varias décadas. Ellington, un maestro de la escritura de miniaturas, a menudo componía específicamente para destacar el estilo y las habilidades de sus músicos individuales. A menudo colaborando con otros, Ellington escribió más de 1.000 composiciones. Su extensa obra es el mayor legado personal de jazz grabado, y muchas de sus piezas se han convertido en estándares. El 24 de febrero de 2009, la Casa de la Moneda de Estados Unidos lanzó una nueva moneda con Duke Ellington, convirtiéndolo en el primer afroamericano que aparece por sí mismo en una moneda estadounidense en circulación. Entre los numerosos reconocimientos que ha recibido se encuentran el Premio Grammy a la Trayectoria y los más altos galardones civiles a ambos lados del charco: la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos y la Legión de Honor francesa. Ellington es, sin duda, uno de los mejores en cualquier género musical.

William James "Count" Basie formó su propia orquesta de jazz -la Count Basie Orchestra- en 1935 y dirigió el grupo durante casi 50 años. Creó innovaciones como el uso de saxofones tenores divididos, el énfasis en la sección rítmica, el riffing con una big band, la incorporación de arreglistas para ampliar el sonido y muchas más. Varios músicos alcanzaron la fama bajo la dirección de Basie, como los saxofonistas tenores Lester Young y Herschel Evans; el guitarrista Freddie Green; los trompetistas Wilbur "Buck" Clayton y Harry "Sweets" Edison; y los cantantes Jimmy Rushing y Joe Williams. Basie se inclinaba por el blues, y en la ciudad de Nueva York comenzó a presentar a algunos de los cantantes de blues más notables de la época: Billie Holiday, Jimmy Rushing, Joseph "Big Joe" Turner y Helen Humes. Los temas de Basie eran "One O'Clock Jump", desarrollado en los primeros días de su banda, y "April in Paris". En 2005, "One O'Clock Jump" fue incluida en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso por el Consejo Nacional de Preservación de Grabaciones, que selecciona anualmente las canciones que son "cultural, histórica o estéticamente significativas."

El baterista fundador Art Blakey dirigió o codirigió este grupo desde su génesis a principios de los años 50. Con el paso de los años, "Art Blakey" y "Jazz Messengers" se convirtieron en sinónimos, aunque Blakey dirigió sesiones de grabación no relacionadas con los Messengers y tocó como músico secundario para otros grupos a lo largo de su carrera. El combo Jazz Messengers existió con personal variable durante 35 años, y la discografía del grupo consta de 47 álbumes de estudio, 21 álbumes en directo, dos bandas sonoras, seis recopilaciones y una caja. El grupo también sirvió de campo de pruebas para los jóvenes talentos del jazz y de punto de lanzamiento de estrellas por derecho propio, como Lee Morgan, Benny Golson, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Chuck Mangione, Keith Jarrett, Woody Shaw, Wynton Marsalis, Branford Marsalis y Terence Blanchard.

A finales de la década de 1920, Cabell "Cab" Calloway se hizo famoso por dirigir una de las orquestas más importantes de la época, que contaba con magníficos talentos como los trompetistas John Birks "Dizzy" Gillespie, Adolphus "Doc" Cheatham y Lester "Shad" Collins; los trombonistas Tyree Glenn y Quentin Jackson; y los saxofonistas Leon "Chu" Berry y Jean-Baptiste Illinois Jacquet. La orquesta de Calloway tenía su sede exclusivamente en el Cotton Club de Harlem, Nueva York, y fue una de las bandas de jazz más importantes de Estados Unidos durante más de una década. Cuando el local cerró en 1940, Calloway y su banda realizaron una gira por todo el país. Hubo un incidente memorable con la orquesta que no tenía nada que ver con la música: Calloway despidió a Gillespie tras un altercado en el escenario, durante el cual Gillespie apuñaló a Calloway en la pierna con un pequeño cuchillo.

A John Birks "Dizzy" Gillespie le fue bastante bien tras ser despedido por Cab Calloway. Con su boina y sus gafas con montura de cuerno, tocando su característica trompa doblada con las mejillas abultadas e incorporando el canto scat, Gillespie y su personalidad desenfadada fueron esenciales para popularizar el sonido bebop. Junto con su compañero trompetista Charlie "Bird" Parker, Gillespie se convirtió en una figura importante en la evolución del jazz moderno en la década de 1940. Considerado uno de los mejores trompetistas de jazz de todos los tiempos, Gillespie enseñó e influyó en muchos otros músicos, como los trompetistas Miles Davis, Jon Faddis, Theodore "Fats" Navarro, Clifford Brown, Arturo Sandoval, Lee Morgan y Chuck Mangione, así como el baladista Johnny Hartman. Gillespie dirigió una serie de pequeños combos de jazz -con el vibrafonista Milt Jackson, el saxofonista John Coltrane, el bajista Ray Brown y el baterista Kenny Clarke- antes de reunir finalmente su primera gran banda de éxito. En 1989, Gillespie recibió el premio Grammy Lifetime Achievement Award.

Algunos creen que este quinteto tenía el potencial para estar entre los grandes de todos los tiempos. Durante dos años, el Clifford Brown and Max Roach Quintet fue la vanguardia del jazz moderno. En la primavera de 1956, el grupo contaba con Walter "Sonny" Rollins como tenor residente junto a la deslumbrante e innovadora trompeta de Clifford Brown. Entonces, un accidente de coche se cobró la vida de Brown y del pianista Richie Powell, y se acabó. El quinteto de Clifford Brown y Max Roach ha sido descrito por el New York Times como "quizás el grupo de bop definitivo hasta el fatal accidente de automóvil del Sr. Brown en 1956". El álbum de 1954 del grupo, "Clifford Brown and Max Roach", fue bien recibido por la crítica e incluye varios temas notables, entre ellos dos que se han convertido desde entonces en estándares del jazz: "Daahoud" y "Joy Spring". El álbum entró en el Salón de la Fama de los Grammy en 1999 y está incluido en "Jazz: A Critic's Guide to the 100 Most Important Recordings" en el número 34, donde es descrito por el crítico de jazz del New York Times, Ben Ratliff, como "uno de los álbumes de estudio más sólidos hasta ese momento".

Conocido como el Primer Quinteto, este grupo -con John Coltrane, William "Red" Garland, Joseph "Philly Joe" Jones y Paul Chambers- no pudo lograr nada menos que la inmortalidad del jazz. En el verano de 1955, a Davis le ofrecieron un contrato con Columbia Records si podía formar una banda fija. Reunió a Walter "Sonny" Rollins en el saxo tenor, Garland en el piano, Chambers en el bajo y Jones en la batería. Por recomendación de Jones, Davis sustituyó a Rollins por Coltrane. El grupo se amplió a un sexteto con la incorporación de Julian "Cannonball" Adderley al saxo alto. Sería difícil encontrar un grupo más grande de músicos de jazz.

No hay duda de que el Quinteto de Miles Davis -con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams- es uno de los combos clásicos de la historia del jazz. Pero estuvo a punto de no producirse. En 1963, Davis tuvo problemas para mantener una formación estable. A finales de la primavera, había contratado el núcleo del grupo con Hancock al piano, Carter al bajo, Williams a la batería y George Coleman o Sam Rivers al saxo tenor. La última pieza del rompecabezas llegaría a finales de 1964, con el saxofonista Wayne Shorter. Se le llamó el Segundo Quinteto porque el primero, fundado en 1955, podría haber sido aún más grande (más sobre eso a continuación). Esta banda grabó los álbumes "E.S.P.", "Miles Smiles", "Sorcerer", "Nefertiti", "Miles in the Sky" y "Filles de Kilimanjaro", así como el "Complete Live at the Plugged Nickel 1965", una caja considerada por la "Penguin Guide to Jazz" como el mayor logro del grupo.